Организаторы, педагоги и участники проекта уверены — балет доступен каждому и в любом возрасте. Он облагораживает внешне и внутренне, дисциплинирует и придаёт веры в себя. Мы побывали на лекции и мастер-классе и побеседовали с Антоном Мальцевым, артистом балета, преподавателем классического танца для профессионалов и любителей, аспирантом Академии русского балета.

— Давайте, наверное, начнём с главной темы сегодняшней встречи — с Агриппины Яковлевны Вагановой. В чём, по-вашему, её основная заслуга перед мировым балетным сообществом и русским балетом в частности?

— Во-первых, Ваганова, несомненно, воспитала целую плеяду блестящих артистов. Мария Семёнова, Галина Уланова, Наталья Дудинская, Алла Шелест, Нинель Кургапкина, Фея Балабина — все они украшали сцены ведущих российских и мировых театров, а по окончании сценической карьеры сами стали педагогами и наставниками новых поколений великолепных артистов. В этом, наверное, главная заслуга Агриппины Яковлевны.

Во-вторых, это стандартизация образования. Она утвердила незыблемые до сих пор правила обучения классическому балету. В 1934 году она написала книгу «Основы классического танца», ставшую первой теоретической работой о балете, переведённую на множество языков и принятой во многих странах за основу воспитания артистов балета. Любопытно, что в работе над книгой Вагановой помогала Любовь Блок, жена поэта Александра Блока. Будучи небалетным человеком, она анализировала работу Вагановой и проводила свои теоретические исследования.

Её перу принадлежит любопытная книга «Классический танец: История и современность», в которой она гипотетически предполагает, что классический балет зародился ещё в античности. В изображениях на вазах, фресках и гравюрах она находит позы танцовщиц, которые трактует как положения, сравнимые с имеющимися в классическом балете. Возвращаясь же к работе Агриппины Яковлевны, можно смело сказать, что её труд стал азбукой классического танца, настольной книгой для педагогов.

— Сегодня часто можно услышать мнение, что русский балет переживает упадок. Что техника наших танцовщиков уже не та, что раньше, а в Европе и США уровень намного выше. Что вы думаете на этот счёт?

— Балет, как и любое искусство, — это явление живое, поэтому вполне закономерно, что в нём есть периоды расцвета и периоды упадка. Но при этом я бы не стал утверждать, что сейчас уровень балета в России ниже, чем в других странах. Да, возможно, сегодня нет такого количества блестящих, звёздных танцовщиков, как, например, в Советстком Союзе. Но при этом русские артисты есть почти во всех мировых балетных театрах и труппах. Да и говоря об известных зарубежных танцовщиках, нужно помнить, что большинство из них воспитаны педагогами из России, по русской методике, с ними работали русские хореографы. Поэтому наше влияние в балетном мире есть всегда и оно не ослабевает.

— А как вы относитесь к тому, что многие талантливые танцовщики, получив образование в России, уезжают за границу и выступают в составе зарубежных театров? Такая утечка талантов, не повредит ли она уровню русского балета? И что ищут те, кто уезжает?

— Думаю, это не страшно, потому что это естественный процесс. В российских театрах тоже много танцовщиков из других стран, это такой круговорот, который совершенно нормален для нашего искусства. Думаю, те, кто уезжал раньше, как Нуреев, Барышников, конечно, искали прежде всего свободы. Потому что людям большого таланта нужна и большая свобода для его выражения, которой, к сожалению,Советский Союз не давал. Сейчас, наверное, больше привлекают новый опыт, новые горизонты. На Западе прекрасно развита не только классическая школа балета, там делают большую ставку на современную хореографию, готовят универсальных танцовщиков. Это прекрасный опыт, от которого было бы глупо отказываться. Тем более, получив этот опыт и достигнув высокого уровня владения танцем, многие возвращаются, находятся в постоянных разъездах, гастролях, новых международных проектах — в современном мире границы размыты, а передвижения между странами — обычное дело, так что, думаю, считать этот процесс утечкой талантов можно с трудом.

— Как вы думаете, возможно ли сегодня повторить (а может, и превзойти) мировой триумф дягилевских «Русских сезонов»? В чём крылась причина такого успеха Дягилева?

— Дягилев — это, конечно, знаковая фигура в мире балета. Помимо того, что он был виртуозным антрепренёром, он был истинным ценителем прекрасного. Он ведь познакомил мир не только с русским балетом, но и с русской живописью, оперой, музыкой. Главный талант Дягилева в том, что он сумел собрать вокруг себя невероятно талантливых людей из разных сфер искусства и помог им вместе создать нечто новое, синтезировать все эти виды искусства в одно, которое мы сейчас знаем под названием «Русские сезоны». Думаю, повторить подобный успех сегодня вполне возможно, ведь таланты есть всегда, а возможностей для объединения усилий в современном мире в разы больше, чем в начале XX века. Так что у нас с вами есть такой шанс.

— Какие новые тенденции прослеживаются в классическом балете сегодня? Новые подходы к технике, к стандартам, предъявляемым танцовщикам? Что важно уметь сегодня, чего не было во времена Вагановой?

— Конечно, мир не стоит на месте, и балет тоже. Сегодня, например, одно из ценных  качеств балетного  танцовщика — такое понятие как «шаг». Шаг — это не растяжка (сесть на шпагат может кто угодно), это умение удержать ногу максимально высоко и правильно. Во времена Вагановой такого требования не было, потому что не было ещё этой традиции высоких ног, она сложилась позже. Но современную эстетику балета без этого уже нельзя представить. Рост артистов вырос: если раньше предпочтение отдавали миниатюрным девушкам 160 см, то сейчас на сцене мы видим высоких балерин, рост которых может быть и 170 см, и выше.

— Помогает ли навык владения своим телом, приобретённый на занятиях балетом, в обычной жизни? Как меняет человека классический балет, если он начал заниматься уже во взрослом возрасте?

— Несомненно, помогает. Ведь балет — это прежде всего красота и грация движений. Артисты балета красиво сидят, красиво стоят, красиво едят. Владея своим телом, человек увереннее себя ощущает в любом пространстве, потому что он лучше ориентируется, он более скоординирован. И такие вещи всегда видно, это выделяет вас в толпе — и выделяет выгодно. Поэтому я уверен, что начинать заниматься классическим танцем никогда не поздно, независимо от данных. Как считала Ваганова, любые данные можно развить.

Даже человек, не подходящий под балетные стандарты, путём упорных занятий может обрести эстетически красивый силуэт, линии и пропорции, научиться красиво двигаться. Конечно, во взрослом возрасте нужно делать это осторожно и ответственно, чтобы не получить травмы, поэтому нужен внимательный и чуткий педагог.

Да, возможно, что-то вы не сможете сделать в силу сложившихся физических особенностей — к примеру, настоящая балетная выворотность (речь не об идеальной первой позиции или растяжке, а именно выворотности суставов, которая позволяет технически правильно исполнять движения) присуща не каждому. Но тем не менее вы сможете добиться многого, о чём даже не подозреваете. Ну, и ещё занятия балетом — это определённая дисциплина, прежде всего внутренняя. Если вы любитель, никто не заставляет вас приходить в класс и становиться к станку, только вы сами решаете, будете ли заниматься сегодня, расти и развиваться. Это накладывает отпечаток и на остальные, повседневные дела: люди, занимающиеся балетом, более собраны, ответственны и нацелены на результат.

— Обычный балетный урок и мастер-класс — в чём для вас принципиальная разница между этими форматами?

— Регулярные уроки — это, прежде всего, система, которой и педагог, и ученики следуют шаг за шагом, уровень за уровнем. А мастер-класс — занятие разовое, более показательное, и прежде всего — для педагога. Это демонстрация его навыков, владения методикой, умения работать с разными аудиториями. Вот, например, сегодня среди участников будут люди совершенно разного уровня подготовки: от студентов Академии Вагановой до любителей с большим стажем занятий балетом и тех, кто пришёл на классику впервые, а до этого занимался другими стилями танцев. И здесь важно провести класс так, чтобы каждый участник научился чему-то новому или усовершенствовал владение уже знакомыми приёмами. Мне как преподавателю важно донести материал понятно и доступно для каждого.

— Можете ли порекомендовать какие-то художественные фильмы о балете, которые, на ваш взгляд, отражают реальную жизнь и работу артистов? Как вы вообще относитесь к тому, что балет сегодня — это довольно заметный тренд в кинематографе?

— Только не смотрите «Чёрного лебедя» (смеётся). Популяризация балета — это хорошо, это привлекает внимание к нашему довольно сложному искусству, приближает его к людям. Ведь многие считают, что балет — это нечто рафинированное, невероятно трудное для восприятия, а для неподготовленного зрителя и вовсе скучное. Кино делает балет более понятным, хотя, конечно, если говорить о том, как показывают будни артистов, — то это всё равно далеко от реальности. Я очень люблю советский фильм «Фуэте» 1986 года, всем очень рекомендую его посмотреть, для меня это кино, наиболее правдиво отражающее балетную жизнь.

— Есть ли у вас кумир в балетном мире?

— Я не люблю слово «кумир», мне кажется, оно предполагает какое-то безусловное поклонение и подражание. Я не хочу никому подражать, но хочу вдохновляться, уважать и учиться. Пожалуй, человеком, который неизменно вызывает во мне эти чувства, является Николай Максимович Цискаридзе. Это прекрасный талантливый танцовщик, умный и интеллигентный человек, мудрый наставник. С него всегда хочется брать пример и в работе, и в жизни.

— Расскажите о своих творческих планах. Вы попробовали себя и как артист балета, и как педагог — каким видите свой дальнейший путь?

— Сейчас я работаю над созданием собственного антрепризного проекта, собственной балетной труппы. В планах — гастроли, работа, в первую очередь, с классическим репертуаром, но хотелось бы попробовать и современный материал. Классику за рубежом везде принимают на ура, «Лебединое озеро» всегда и везде собирает аншлаги и остаётся самым востребованным классическим балетом. Думаю, это говорит само за себя. Конечно, немного печально, что балет в современном мире становится продуктом, хоть и культурным, но всё же таким, который продаётся и покупается. С другой стороны, постоянный спрос, раскупленные билеты и заполненные залы — лучший показатель того, что классика вечна, и во всём мире есть множество людей, по достоинству ценящих русскую балетную школу.

(Текст: Евгения Кукина, фото: Алина Михайлова, при содействии проекта «Workchop & Backstage», специально для «Где культуры»).

Из перформативных «представлений» вырастает множество течений в искусстве. С 1909 года, начавшийся в Париже как манифестация, набирает силу Футуризм. В 1916 году в цюрихском «Кабаре Вольтер» на поэтически-балаганных вечерах расцветает всеобъемлющий Дада (не желавший называться «измом»), из которого позже, к 1925-му году прорастёт Сюрреализм. В Петрограде, Москве, Одессе и Киеве с начала  XX века гремит русский футуризм и конструктивизм. Эти течения находят новые способы выражения злободневных идей, которые будоражат, эпатируют, шокируют публику, тем самым обретая безграничную известность.

Курс перформанса в Баухаузе не отстаёт. И начинает стремительное развитие, когда руководство переходит в руки Оскара Шлеммера, художника и скульптора.

Оскар Шлеммер (Oskar Schlemmer, 1888–1943)

Благодаря Шлеммеру возникает уникальный стиль этого авангардного направления, который демонстрируется на «Неделе Баухауза», первой публичной выставке школы в 1923 году. «Искусство и техника – новое единство» – вот её девиз. Выставка снискала огромный успех и популярность именно благодаря этому соединению художественного образа и механических приспособлений (ведь вера в технический прогресс крепко завладела умами людей в начале XX века). Цель Баухауза определилась: достичь синтеза искусства и техники в «чистых» формах.

С того момента перформансы – главный вид деятельности Баухауза, а стремление Оскара Шлеммера подчинить объёмное пространство плоскости – основа всех танцевальных постановок. «Из геометрии на плоскости, из погони за прямой, диагональю, окружностью, кривой рождается стереометрия пространства, создаваемая вертикальной линией – танцующей фигурой». А сама фигура становится марионеткой в руках постановщика. Костюмы, по замыслу Шлеммера, должны так влиять на движения актёра, чтобы создался точный пластический рисунок.

Оскар Шлеммер, “Фигуративный кабинет I” (фигуры выполнены Карлом Шлеммером). Перформанс был представлен на школьном вечере, а годом позже на выставке “Неделя Баухауза” 17 августа 1923 года.

На творчество Шлеммера оказал влияние кубизм, экспрессионизм, абстрактное искусство. Художник изучает театр кукол, цирковые представления, традиционный японский театр. И создаёт балет «Триада» («Triadisches Ballett»), в котором замешивает множество стилей, создавая абсолютно новое новаторское произведение. Это самая известная постановка Шлеммера, которая приносит ему мировую славу.

«Триада» или «Триадический балет» исполняется тремя актёрами, которые меняют костюмы. Танец сопровождается трехчастной симфонической композицией, написанной Паулем Хиндемитом. Мелодия для пианолы (механического пианино) является самостоятельным элементом композиции и собирает действие, актёров, пространство в единое целое, подчиняя всё замыслу режиссёра.

Эскизы костюмов к балету “Триада”

Актёры в костюмах, состоящих из геометрических форм, похожи на кукол, что в сочетании с «механической» музыкой придаёт некоторым номерам сходство с открытой музыкальной шкатулкой. В некоторых танцах явно слышатся русские мотивы (это отголоски обращения Шлеммера к творчеству русских конструктивистов).

Фрагмент реконструкции перформанса “Триадического балета”

Фрагменты реконструкции перформанса “Триадический балет”

Оскар Шлеммер в роли Турка в балете “Триада”, 1922

«Где культура» сделала для вас подборку эскизов к нескольким спектаклям Шлеммера, фотографий перформансов и одной реконструкции «Триадического балета» Оскара Шлеммера, ведь лучше один раз увидеть, чем сто раз услышать. В случае с Баухаузом справедливость этого утверждения стопроцентная.

Оскар Шлеммер, “Фигуративный кабинет I”

Оскар Шлеммер, сцена из спектакля “Ирония судьбы”, 1929

Оскар Шлеммер, “Металлический танец”, 1929

Оскар Шлеммер

Актеры «Триадического балета» Оскара Шлеммера в Метрополь-театрe. Берлин, 1926 год

(Текст: Анна Городянская, видео здесь).

«Обладатель скандальной биографии, яркой харизмы и высочайшей техники», – так российский «Vogue» писал про балеруна из Украины.

Сергей Полунин родился 26 лет назад в Херсоне. Собирался поступать в петербургскую балетную школу, но что-то пошло не так. В итоге его мать устроила поездку в Лондон. Туда поступить оказалось проще — с первого раза Сергея зачислили в Школу Королевского балета.

После учёбы он работал в Ковент-Гердене и в 19 лет стал самым молодым премьером за всю историю королевской труппы. А через три года сбежал.

Как сам объяснил — хотел быть знаменитостью, сниматься в кино, участвовать в телешоу… Видимо, строгие английские нравы не давали танцору желаемой свободы, возможностей и денег.

Как ни странно, он утверждает, что в России всего этого больше, чем на Западе. Хотя и там Сергей не скучал — например, напару с гангстером держал тату-салон на окраине Лондона. Вообще к татуировкам у него отношение трепетное — ещё в детстве маленькому Серёже нравилось рисовать на себе узоры и то, как они выглядят на теле. Остановиться не может до сих пор.

В Москве Сергей Полунин стал премьером Музыкального театра имени Станиславского. К тому же он – постоянно приглашённый солист Новосибирского театра оперы и балета.

Его мечты о свободе сбылись — худрук дал ему право не ходить на общие репетиции и выступать в разных театрах, появились съёмки в телешоу и кино. И даже нашлась идеальная партнёрша — и на сцене, и в жизни. Сергей теперь хочет танцевать только с Натальей Осиповой, которую считает самой интересной балериной в мире.

(Текст: Аделаида Рош, фото: Ярослав Фролов)

А в честь нашей героини называли сорта роз и тюльпанов, напоминавших ее балетные костюмы. Ее именем нарекали воздушные торты, пирожные и нежнейшие конфеты. Духи, носившие ее имя были «предметом охоты» для многих женщин, как и фасоны ее платьев, шляпок. Новый пик популярности был у шалей из Индии и Манилы — ведь эта худенькая балерина часто куталась в них, и ей тут же стали подражать. Анна Павлова. 12 февраля исполняется 135 лет со дня ее рождения. Маленькая болезненная сутулая девочка-петербурженка, влюбленная в танец, не только выжила и окрепла, но и даже невольно ввела моду на более худощавые фигуры, потеснив балерин с аппетитными формами. А еще сделала признанным во всём мире сокровищем понятие «Русский Балет».

Один из ее партнеров по сцене говорил, что Павлова никогда не задавалась целью создать нечто сенсационное — она сама была сенсацией, хотя вряд ли это сознавала. Но, помимо таланта, Анну Павлову всегда отличали самоотверженное служение искусству и постоянный труд на износ. И в детстве — в балетной школе, и дома — в своей петербургской квартире с окнами на Неву, и на репетициях, и во время гастролей… Шутка ли — 22 года бесконечных турне, около 9 тысяч спектаклей — по самым приблизительным подсчетам!..

Эта постоянная изнуряющая работа и вечный груз сильного эмоционального напряжения служили оправданием ее перепадов настроения и разных выходок для того, кто Аннушку обожал. Верный и заботливый, любящий и терпеливый муж, поклонник, импресарио — Виктор Дандре этой женщине прощал всё. Их отношения прошли через разные, в том числе, сложные стадии. Было время, когда только Павлова протянула Дандре руку помощи, а все другие от него отвернулись.

«Лебединое перышко», как называл когда-то Павлову разглядевший ее дарование Мариус Петипа, сгорело в одночасье — огонь неожиданной пневмонии заставил исчезнуть еще недавно полную сил танцовщицу, накануне ее 50-летия. И Виктор Дандре долго не мог поверить в произошедшее.

Прах обоих супругов хранится в закрытом колумбарии одного из лондонских крематориев. Хранится до сих пор, хотя и Павлова и Дандре хотели быть захороненными на родине, в России”.

(Текст: Алёна Эльфман, поставить лайк посту в ВК: vk.com/wall-43750309_76999).