gdekultura_живопись – Где культура

Выцарапывание. Заметка о картинах Вадима Михайлова

Где культура — Sun, 08 Apr 2018 11:13:26 +0000

О мертвых художниках поговорить всегда успеется. Предпочту живых: например, в Петербурге живет Вадим Михайлов; в тесной комнатке-мастерской, заваленной работами. Это внушительное зрелище, поскольку художник пишет по дереву: сбитые воедино доски, скейтборд, тумбочки, полки – все это развешано и попросту навалено во всех доступных местах. Непроницаемо блестит темнота лака, замерли при свете лампы выцарапанные насекомые. На всю стену приклеен среднерусский пейзаж из тех, что украшают кабинеты биологии в школе: множество лучей выходят из точки блеклого горизонта, или же сходятся к ней.
Несколько галерей собирались купить эту работу, но отлепить ее от стены уже вряд ли возможно.
Я ходил и восхищался; мы выпили еще, но, как я ни бился, ничего мне о смысле своего искусства Михайлов так и не рассказал. Скажем:
– Вадим, а почему именно доски?
– Мы с моим другом ходим по ночам и собираем доски. Потом я смотрю на них и начинаю что-то делать.
– А вот какие у тебя любимые художники?
– Кранах старший. Дюрер.
– А почему?
– Да потому, что они потрясающие!
– Согласен.

И так далее. Начинаю думать, что интервью – не мой конек.

Решаю реабилитироваться теорией. В моем распоряжении опыт года посещения лекций в Молодежном центре Эрмитажа, а также бесконечное количество статей об искусстве в интернете. Должно хватить.
Первые мысли – так выцарапывают на гравюре или на парте? Представляю, как Альбрехт Дюрер выцарапывает носорога в подъезде любимой. Аутсайдерский реди-мейд коммунального Версаля.
Цветы, огонь, насекомые, кости, снова цветы на столе. На первый взгляд объекты нацарапаны будто четырехлетним; я пересмотрел пару тысяч детских рисунков – дети так не рисуют. В обманчивое сходство вводит, видимо, стремление художника освободить рисунок от академических оков. Приглядевшись внимательнее, видно, что художник в этих оковах успел побывать и превосходно рисует, соблюдая каноны.

Многие художники прошлого века – от Пикассо до Баския – на это шли. Упрощали формы, вдохновляясь рисунками древних людей, детей и сумасшедших. Таким образом они пытались получить «изначальное» изображение. Чистые силовые линии – несущие конструкции, с которых сняты все напластования истории искусства.
И действительно, горящие рюмки Михайлова напоминают иконы вещей, в полном отрыве от современного значения этого понятия: обещания утоления духовной тоски. Цветы, спички и пламя будто застыли в вечности: их метафизическое существование особенно ярко проявляется в тяжести грубо сбитых досок, на которые нанесен черный лак экрана, объединяющий их в пространство картины.
Портреты объектов, не поставленных в ситуацию знаков, но существующих автономно: неровные доски несут эстетический заряд, равный спичкам на нём, и не могут быть разъединены. Вспоминаю среднерусский пейзаж, наклеенный в комнате художника. Холст исторически должен быть невидим, только рама обозначает его окном в искусную иллюзию глубины. Михайлов же берет бессмысленные части мебели, заставляя их предметность существовать максимально наглядно. Сама фактура: дверь, полка, табурет – для Михайлова уже существует как некий объект. Так, школьная парта или стена подъезда существуют для руки с ножиком как холст, как экран, на который проецируется подсознательное. Само по себе процарапывание – физически иной процесс, нежели нанесение краски. Это акт нарушения поверхности, его порча. Возможно, поэтому его типичное использование детьми и подростками – скрытное, партизанское.

Для типичной ситуации выцарапывания обратная расшифровка смыслов зачастую не представляет труда: это магического характера пиктограммы на деревьях (теперь их редко можно встретить; предположительно, граффити оказалось более эффективным способом метки территории), текстовые и графические мемы, реплицирующиеся между задними партами школ и частично попадающиеся на верхних этажах темных подъездов. Там, где жильцы стремятся проскочить к своему жилищу без промедления, царствуют знаки спортивных общностей, знаки оскорбления и угрозы. И так же как картины Михайлова являются отчасти досками, не существуя в качестве изображений сами по себе, так и подростковые выцарапывания состоят настолько же из знаков, насколько из темноты подъезда, из которой извлекаются зажигалкой, обращенной к бутылке.
Михайлов, очевидно, не использует в своих работах общественных знаков, разрабатывая личные: огонь, цветок, красный и синий цвета и т.д. Поверхностно они могут быть прочитаны через свои устоявшиеся смыслы неба и пламени, цветения и уничтожения. Тупое и черное небытие досок, сквозь которые процарапана ко взгляду сама их материальная текстура, очерчивающая формы, на которые можно уже наносить цвета, уравновешивая объект и его фон.

Но прелесть высокого искусства лежит как раз там, где возможности коллективного прочтения знаков культурными кодами исчерпывает себя. История сюрреализма, от Бретона до Линча, дает нам необходимый опыт прочтения личного: не имея необходимости разгадывать ребус, мы вольны отдаться непосредственным ощущениям. Личный опыт памяти и культуры должен послужить референсами, которые мы привыкли брать извне.
Скорее всего, в этом и состоит причина, по которой Михайлов мне ничего о своих работах не сказал. Зачем рисовать то, о чем можешь рассказать?

Текст: Илья Дик

Смотреть альбом.

Заглавное изображение: «Переулок Джамбула по ночам». Калька, левкас, масло, аппликация. 118х93. 2018 г

Женские портреты Ричарда Е. Миллера

Алёна Эльфман — Sat, 15 Jul 2017 15:31:42 +0000

Знаменитый американский художник-импрессионист Ричард Е. Миллер в своё время уехал учиться живописи в Париж. И это, знаете ли, заметно. А ещё в многочисленных женских портретах, написанных Миллером, так часто фигурирует зеркало, что об этом шутят: «Если на его картине вы не видите зеркала, это вовсе не значит, что его там нет». : )

“Кошачьи” вариации

Алёна Эльфман — Mon, 03 Jul 2017 09:53:30 +0000

У художника Андрея Сикорского много разных работ, включая живопись, анимацию, рекламу. Но его забавные “кошачьи” вариации знаменитых полотен, похоже, нравятся публике больше всего.

«Здесь были красные рыбки» по мотивам работы Анри Матисса

«Кошка Лидия Д.» по мотивам работы Анри Матисса

«Нападение Барсика на Уголька в палисаднике» по мотивам работы Анри Руссо

«Любительница валерьянки» по мотивам работы Пабло Пикассо

«ДисКОТека» по мотивам работы Кита Харинга

«Красномордый кот» по мотивам работы Пита Мондриана

“Кошачий танец” по мотивам работы Анри Матисса

«Мартовский кот» по мотивам работы Эдварда Мунка

«Кошка под луной» по мотивам работы Хуана Миро

(Заглавное изображение: «Арльские кошки» по мотивам работы Винсента Ван Гога.)

«Один из самых талантливых художников XX века»

Ирина Орлова — Sun, 11 Jun 2017 07:27:18 +0000

Эти женские портреты написал выдающийся художник Николай Фешин.

Родился он в Казани, в семье резчика иконостасов, который, несмотря на бедность, сделал всё от него зависящее, чтобы талант сына не пропал.

Николай ещё в Казани начал получать художественное образование, а потом продолжил учиться в Петербурге, в Академии Художеств, со временем перейдя в персональную мастерскую Ильи Репина.
И, хотя отношения между учителем и учеником были сложные, позже Илья Ефимович называл Фешина одним из самых талантливых художников XX века.

После революции, в 42 года Николай Фешин эмигрировал, прожил на западе больше 30 лет и стал известен как американский живописец, причём, как один из самых дорогих.

Однако спустя годы Фешин написал в своей автобиографии: «Люди не должны покидать своей страны. Весь духовный фундамент человека закладывается с самого детства и растёт вместе с окружающим до самого конца. В чужой стране он существует только физически, находясь в постоянном одиночестве…»

(Текст: Алёна Эльфман)

Александр Дейнека. Живопись

Ирина Орлова — Fri, 12 May 2017 16:46:52 +0000

Александр Александрович Дейнека (1899-1969) – советский живописец, художник-монументалист, график, иллюстратор, скульптор.

“Где культура” сделала для вас подборку его живописных работ.

“Ода весне” (1927)
“Мать” (1932)
“Мальчики, выбегающие из воды” (1930 — 1935)
“После боя” (1944)
“Оборона Севастополя” (1942)
“Полдень” (Сон) (1932)
“Бегуны” (1934)
“Крымские пионеры” (1934)
“Кросс” (1932 )
“Будущие лётчики” (1938)

Анри Жюльен Феликс Руссо

Ирина Орлова — Mon, 24 Apr 2017 15:56:58 +0000

Анри Жюльен Феликс Руссо — французский живописец-самоучка, один из самых известных представителей наивного искусства, или примитивизма.

Работы турецкого художника Хусейна Шахина

Ирина Орлова — Fri, 21 Apr 2017 11:16:34 +0000

Columbus Topiary Park

Ирина Орлова — Wed, 19 Apr 2017 11:27:41 +0000

Парк «Columbus Topiary Park» входит в десятку лучших топиарных парков мира. Расположен он в столице штата Огайо – городе Колумбус. Парк знаменит тем, что в масштабе воссоздаёт картину «Воскресный день на острове Гранд-Жатт» – самое известное творение французского живописца-постимпрессиониста Жоржа-Пьера Сёра.

Фрида Кало — это не только брови, усики и биография. Работы художницы приехали в Петербург

Ирина Орлова — Fri, 05 Feb 2016 17:21:18 +0000

Моё знакомство с Фридой началось с одноимённого фильма. Многие наверное видели картину с Сэльмой Хайек? Авария с автобусом, в котором ехала Фрида, следом – обездвиженность, рисование на корсете и бурный роман с Диего Риверой. Много творчества, страсти и боли — в общем всё, что было мне близко в годы юности.

И вот теперь в Питер привези все картины художницы, какие смогли забрать из Мексики (закон страны позволяет за раз вывозить не больше 10). Организаторы выставки хотят сместить фокус публики на работы Кало. Образ художницы настолько оброс мифами и легендами, что они затмили даже её картины. Но Фрида— это не только мощные брови, заметные усики и яркая биография.

«Моя сиделка и я”, 1937 год

Зрители увидят 35 работ – от самых ранних, когда она только начинала рисовать и до последних, написанных за год до смерти. Когда уже было понятно, что писать как раньше она не сможет, но это не остановило несгибаемую Фриду. Кстати, ведущее место в её творчестве занимали автопортреты. Один из них – «Корни» – 10 лет назад эксперты оценили в 7 миллионов долларов.

«Корни», 1945 год

«Автопортрет в бархатном платье», 1926 год

На выставке не только картины, но и фотографии и даже платья того времени. Не привезли разве что гипсовый корсет художницы, на котором она рисовала. «Фрида Кало. Живопись и графика из собраний Мексики» проходит в Музее Фаберже (набережная реки Фонтанки, дом 21) до 30 апреля 2016 года. Открыта каждый день, кроме пятницы, с 10 часов до 20:45.

«Автопортрет с попугаями», 1941

(Для тех, кто хочет знать о Фриде больше — здесь хорошая статья о выставке в Риме: https://clck.ru/9iGQQ )

В начале заметки — «Автопортрет с обезьянкой», 1938год

(Текст: Ирина Орлова)