Ар-деко. Книги из собрания Марка Башмакова

Ф.-Л. Шмид, Г. Миклош. «Одиссея», 1933

Книжнографическая роскошь и великолепие царят в Двенадцатиколонном зале Эрмитажа: в нём представили обширную экспозицию книг и журналов, созданных в первой половине XX века в эстетике ар-деко.

Предложенные зрителю экспонаты в полной мере отражают многообразие и разноречивость стиля, который трудно свести к какой-либо единой устойчивой форме. Они разнятся как по манере исполнения, так и по сюжетам и характеру изданий. Так, сопоставить эстетику ар-деко со стилем модерн, который он наследует, позволяют изысканные круглящиеся витиеватости книжных страниц, оформленных Альфонсом Мухой и Анри Эмилем Карюше в 1900-х годах. А графические эксперименты известного дадаиста Тристана Тцары, выполненные ближе к середине XX столетия, позволяют поразмышлять над конечной эволюцией стиля. Между ними – ар-декошная «классика» 1920-1930-х с ее удлинёнными формами, склонными к геометрично-правильной изысканности, которая нашла себя в листах Жоржа Барбье, Франсуа-Луи Шмида, Густава Миклоша и других мастеров.

Остается лишь удивляться тому, насколько был обширен круг интересов художников, оформлявших печатные издания. В область их внимания попадают и античные мифы, и библейские легенды, и сюжеты из художественной литературы – книг Лафонтена, Киплинга, Готье. Разумеется, не остаётся «за кадром» и мода – область, в которой вкус ар-деко к дороговизне, утончённой роскоши, чистой эстетике проявил себя в полной мере.

Примечательно, что среди авторов, чьи работы включены в экспозицию, можно найти не только «чистых» мастеров-графиков, но и прославленных художников-живописцев: Анри Матисса, Рауля Дюфи, Мориса Дени. Их творчество в контексте livre d’artiste («книги художника») вызывает, пожалуй, не меньшее восхищение, чем то, что было создано ими на живописном поприще.

Посетителю Двенадцатиколонного зала представится возможность насладиться не только изысканностью форм, утончённостью и аристократичной точностью линий, но и роскошными колористическими решениями, которые удалось найти авторам – «архитекторам книги». Не иначе, как драгоценностью воспринимаются сопоставления глубокого чёрного и мерцающего плотно-золотого, гранатового и звеняще-синего, пастельно-розового и золотисто-оранжевого цветов, встречающихся на страницах этих уникальных изданий.

Одним словом, настоящая арт-трапеза для эстетов всех калибров. Не пропустите.

Выставка книжной графики из коллекции Марка Башмакова (академика РАО, доктора физико-математических наук) открыта до 16 сентября. Расписание работы Эрмитажа: вторник, четверг, суббота, воскресенье 10:30 – 18:00, среда, пятница 10:30 – 21:00, понедельник – выходной.

 «Урок рисования»

Рисунок Маши Ша

Диалог поколений, развернувшийся в поле художественного рисунка, организовала галерея Namegallery. В просторном, светлом пространстве выставочного зала разместились рисунки-реплики мэтров 1960-х годов и ответы на них молодых петербургских художников.

Показанные куратором Александром Боровским графические работы выводят на поверхность ряд вопросов, связанных с проблемой традиции в искусстве: о следовании ей, консервации, о её творческом претворении или протестующему отказу от неё.

Нетрудно догадаться, что художники старшего поколения – Давид Боровский, Борис Власов, Александр Сколозубов – выступают, скорее, в роли хранителей традиции. В их письме чувствуется уверенность знающей своё дело руки, прочерчивающей подвижные, но устойчивые линии, а тематика рисунков (бытовая зарисовка, спортивный или концертный эпизод, пейзаж) воспринимается как вполне привычная и характерная для графического искусства.

Ответы молодого поколения на маститые реплики предшественников оказались пылкими, ревниво-своенравными, динамичными. Александр Цикаришвили пишет близкие эстетике стрит-арта цветные портреты молодёжи, жаждущей свободы и самовыражения, немало иронизируя по поводу постулатов традиционного искусства. Леонид Цхэ рассказывает пронзительные личные истории с помощью линий и штриховки, полных нерва и «небрежной», ломаной экспрессии, за «кулисами» которой, тем не менее, угадывается добротная академическая выучка. А Маша Ша экспериментирует не только с типом линии-изображения, которая оказывается самой прихотливой из показанных на выставке, но и с самой основой: бумага под ее «пером» сжимается, мнётся, скатывается, подчёркивая физиологическую ноту в изображениях, которые воспринимаются рефлексией состояний и предчувствий.

Приходите послушать/посмотреть этот визуальный диалог в Namegallery (Б. Конюшенная, 2, 3 этаж) до 27 июля. Галерея открыта по будням с 11:00 до 19:00, по выходным визит осуществляется по предварительному звонку.

«Архиграфия»

С. Журавлёв, «Архиграфия»

К весьма любопытной эстетической практике, нашедшей место в работах молодого архитектора и художника Степана Журавлёва, можно прикоснуться в выставочном крыле музея «Эрарта». Чтобы создать нужный ему образ, Журавлёв объединяет несколько компонентов, имеющих отношение к разным видам искусства. В результате появляются работы, которые можно описать как аналоговые фотографии архитектурной графики. Так, фотография, графика и архитектура оказываются вовлечены в одно силовое поле.

Замысловатые архитектурные формы, в которых правит бал сложносочинённая геометрия, скорее фантастичны, нежели реальны. Художник переносит их фотоизображения на холст или стекло. В первом случае он, как правило, дополняет эту фотографическую «архиграфию» цветом, идущим из «глаза» проектора, создавая спокойную медитативную игру оттенков, изменение которых создаёт иллюзию меняющихся форм изображения. Во втором случае Журавлёв наклеивает стеклянные фотовырезки на загрунтованную поверхность, в результате чего изображение-аппликация получает некоторый условный объём и внутреннюю интенсивность, нарождающуюся в процессе столкновения фактур.

В отдельном зале кураторы выставки разместили зависшую в воздухе медиаинсталляцию художника, представляющую собой объёмный ломаный каркас из покрытых белой краской деревянных треугольников. На помещённую между их рёбрами сетку проектируются светоцветовые пятна, сменяющие друг друга под космо-медитативный саунд.

Журавлёв то и дело приводит посетителя в замешательство, перетасовывая и соединяя различные медиа, создавая некое синтетическое художественное пространство. В нём графическая линия рисует архитектуру, фотография запечатлевает ее, оставляя следом на холсте или стекле, светоцвет проектора преображает ее и меняет форму, а саунд погружает ещё глубже в переживание этой странной, заигрывающей с будущим, архитектуры-архиграфии.

Выставку можно посмотреть до 30 июля. Музей «Эрарта» открыт с 10:00 до 22:00, вторник – выходной.

Текст и фото: Мария Харитонова, искусствовед, автор проекта «Искусство вместе»

Фото обложки: С. Журавлёв, «Архиграфия»

Беседа вышла очень теплой – Ирина Александровна под светом лампы не спеша рассуждала о том, как развивалась живопись с середины XIX века и до нашего времени. «Я не претендую на глубокие знания в современном искусстве, – с улыбкой говорит она, – но думаю, что могу рассуждать об этом, ведь я родилась в 1922 году, а потому развивалась вместе с веком».

Тема, правда, непростая и всегда вызывает много вопросов. За нами – многотысячелетний путь развития пластических искусств. Но сейчас, в эпоху интеграции всех видов искусства, могут ли пластические искусства исчезнуть совсем? По мнению Ирины Александровны, не могут, слишком особенное место они всегда занимали в человеческой жизни. Впрочем, она подчеркивает, что это только мнение, не претендующее на абсолютную истину.

«Иногда мы стоим у произведения современного искусства и не можем понять – искусство ли это вообще?». От простой творческой деятельности, лишенной художественных начал, Ирина Александровна отличает его по двум признакам – этическому и эстетическому. Первый подразумевает, что искусство должно говорить о добре и зле, но делать это на своем языке. Согласно второму, оно должно нести в себе красоту. Красота здесь подразумевается не как вопрос моды, а как представление, меняющееся на протяжении всей нашей истории.

Ирина Александровна не зря начинает разговор с середины XIX века – именно в это время искусство, как и представления о мире, перестало порождаться лишь мифологическим сознанием. Она называет это «Гибелью богов» – по названию оперы Рихарда Вагнера, написанной в то же время. Начались поиски такого искусства, которое бы отражало меняющуюся жизнь, и продолжаются они до сих пор. Здесь Ирина Александровна сравнивает вещи, которые кажутся друг от друга очень далекими, например, «Свободу на баррикадах» Эжена Делакруа и «Явление Христа народу» Александра Иванова. Выясняется, что карикатуры Оноре Домье по духу близки картинам передвижника Василия Перова. Клод Моне, который «разбивает воздух на частицы» и делает первый шаг к исчезновению объекта с поверхности картины, имеет много общего с Исааком Левитаном. А портреты работы Энгра или Мане похожи на портреты, созданные Ильей Репиным и Валентином Серовым.

«Мы так сжились с этими картинами, они стали для нас хрестоматийными, и мы забываем, что с точки зрения истории это настоящее открытие», – говорит Ирина Александровна в разговоре о «Бурлаках на Волге» Репина. Очень важно уметь взглянуть на произведения искусства с позиции того времени, в которое они появились. Только тогда можно понять, каким прорывом, каким вызовом они могли быть.

Новое искусство, по ее словам, началось с картины Пабло Пикассо «Авиньонские девицы». Эти вызывающие, демонизированные образы открыли возможность любого ракурса и отношения к искусству. А после – Малевич, Мондриан, Кандинский, самые смелые и невероятные эксперименты.

«Я недавно читала одну из новых книг об искусстве XX века – так там насчитали больше пятисот разных направлений, представляете?». По какой из этих дорожек может пойти искусство дальше? Может, это будет экспрессивное, погружённое внутрь человека направление, которое задал Эгон Шиле. Может, в искусстве будущего будет востребован сюрреализм, но немного отличный от того, что у Сальвадора Дали. Абстрактное искусство Ирина Александровна считает приёмом, очень быстро исчерпывающим себя, так, работы Джексона Поллока она называет «заключительным этапом абстрактного искусства».

«Больше всего мне жаль современных художников», – полушутя-полусерьезно говорит Ирина Александровна. Сейчас мы более чем когда-то до этого находимся в поисках, и мало кому понятно, к чему это приведет в ближайшие несколько лет. Что до нас, зрителей, то при знакомстве с произведением искусства важно всегда спрашивать себя, что мы видим и что от него получаем. «От картины нужно получить заряд, нельзя просто стоять, смотреть и раскладывать на составляющие – тогда это уже не искусство!». Но самое главное, о чем мы должны себя спросить, что мы хотим от него получить? Только ответив на этот вопрос, можно будет предположить, каким станет искусство в ближайшем будущем.

Текст: Алёна Поднебенная
Фото: Сергей Спиридонов

Фото: Юлия Тисленок

Билеты: https://goo.gl/9BVvkz

У Курары весьма своеобразный музыкальный стиль, сочетающий в себе альтернативу, инди-рок и электронику, а тексты песен напоминают поток сознания и рефлексию в попытке описать мир вокруг. Зачастую театром действий становится родной Екатеринбург, который подкидывает музыкантам новые темы для песен. За 13 лет существования группа выпустила 7 альбомов, последний из которых — “Пуля”, увидел свет в ноябре прошлого года.

К назначенному времени зал “Эрарты” был заполнен процентов на семьдесят, что само по себе уже неплохо. Появившись на сцене с получасовой задержкой, музыканты без раскачки и лишних приветствий начали концерт с композиции “Персидский тигр”, которая давненько не попадала в сетлист. За спинами музыкантов “ожил” огромный экран, на который транслировался тематический видеоряд. Специально подобранные видеоролики сопровождали большинство песен, что, конечно, усиливало эффект восприятия.

В программу концерта вошли следующие раритеты: “Солнечные дни”, “Короли”, “Осень”, “Зима”, “Дарьин день”, “Школьные”, “На память”. На концертах Курары не так часто можно услышать эти песни, поэтому это выступление екатеринбуржцев можно по праву считать эксклюзивным. Конечно же, не обошлось и без относительно новых песен. Была исполнена заглавная композиция из одноименного альбома “Пуля”, повествующая о засилии кавер-бэндов и менталитете обывателей; “Паническая Атака”, приправленная жесткой гранжевой аранжировкой; психоделическая сага “Гудвин” с минималистичным видеорядом. Не обошлось и без песни “Паранойя Диско” — воспоминания о времени, проведенном Олегом в Москве в начале нулевых и пересказанные им без прикрас. Помимо этого свое место в сетлисте нашла грустная баллада о неразделенной любви под названием “Стальное сердце”, сюжет которой был навеян спектаклем “Пиковая дама”.

В этот вечер в “Эрарте” собралась “правильная” публика. В очередной раз сработало правило, что чем меньше в зале случайных людей, тем душевнее атмосфера. Только истинные музыкальные гурманы готовы посещать каждое выступление любимой группы, активно поддерживая музыкантов. У Курары просто не бывает одинаковых концертов, в чем смогли в очередной раз убедиться слушатели. Основательно измененный сет-лист и видеоряд стали отличительной “фишкой” именно этого концерта екатеринбуржцев. Плюс, конечно, фирменный грув коллектива, когда устоять на месте просто невозможно. В одном из недавних интервью Олег Ягодин заявил, что они делают ставку именно на музыкальную составляющую: “Ставка у нас одна — бас и бочка, чтобы все качало. Мы считаем, что мы играем танцевальную музыку, чтобы все двигались. Текст — это дополнение. Сначала появляется музыка”.

Музыканты трижды (!) выходили на бис, исполнив в финале композицию “Летчики”, куплеты которой зал пел хором — это был удивительный момент единения поклонников и группы!

Курара использует самый верный способ донести свое творчество до слушателя с помощью честной и искренней подачи материала без вычурных поз и лишнего пафоса. Они честные и открытые, и это подкупает. Им веришь с самого первого слова, ведь только люди с улицы знают, что там действительно происходит. А об этом у них практически каждая вторая песня.

Устроив презентацию новой программы в Петербурге, музыканты отправились дальше в тур — впереди у них еще дюжина концертов по городам России. Почему-то по-хорошему завидуешь тем, у кого еще будет отличный шанс увидеть живьем эту программу, и, конечно, ждешь их возвращения, потому что музыка Курары — как яд на острие копья — действует мгновенно. И почему-то вовсе не хочется избавляться от его воздействия.

Текст: Игорь Фоломеев;

Фото: из свободного доступа в сети Интернет.

14 стихотворений Николая Олейникова – замечательного поэта из круга ОБЭРИУтов, редактора легендарных журналов «Еж» и «Чиж», – легли в основу музыкально-вокального цикла, написанного композитором Валерием Вороновым. 
Эти 14 маленьких трагедий сложились в особенный музыкальный спектакль, балансирующий между эпической драмой и детскими считалочками. Спектакль о жизни насекомых в мире людей и о жизни людей среди насекомых, о насекомых повадках человека и о человеческих страстях букашек. О восторге перед научным познанием мира и ужасе пред ним. О тщете, суете, красоте и… Вселенной. Вселенной, которую увидел Николай Олейников, показанной создателями спектакля. 

Билеты: https://vk.cc/7gJ9ka

23 сентября, Эрарта.

Фото: Екатерина Лютикова